当代艺术品投资，谁来保驾|中欧商业评论

王南溟
上海独立策展人、艺术家，同时被称为中国当下艺术批评界最具批判力的批评家，从“前卫艺术”、“后前卫艺术”到“更前卫艺术”（Metavant-garde）的阐释者和推动者。已出版的批评文集有《理解现代书法：书法向现代和前卫的艺术转型》、《艺术必须死亡：从中国画到现代水墨画》、《观念之后：艺术与批评》、《批评性艺术的兴起：中国问题情境与自由社会理论》、《艺术制度与法律：中国与国际交往的结果》等。作品被大英博物馆、梁洁华基金会、中国美术馆等收藏。

【编者按】
作为艺术家的王南溟，强调对中国当下的关注，让艺术以个体的身份介入公共领域，成为独立于官方系统的力量。他用白布浸入蓝藻暴发的水源，用宣纸拓印干涸的土地，将社会问题转化为抽象的艺术表达。作为艺术批评家，他在资本批判理论和文化相对主义当道的舆论氛围中保持冷静，提出“西方人眼中的东方学”，呼唤艺术创作对现代性普世价值的关注；他主张摒弃人文主义的道德谴责，思考艺术市场乱象背后的制度缺失，从而为艺术品投资的理性决策与市场发展廓清了讨论的前提。

《中欧商业评论》（以下简称CBR）：在艺术批评界，可能是受到新马、后现代等理论的影响，一直保持着对资本的强烈批判，你是为数不多的能够正视市场与资本的艺术批评家，可否谈谈你的看法？
王南溟：国人的发言有一个很大的毛病，好恶评价系统往往从个人利益的角度出发。原来艺术家没有市场，就嘲笑艺术家，这么穷还做艺术；不光是社会舆论，包括父母、亲戚、朋友都会说你学这个东西有什么用，不能赚钱又不能吃喝，他们觉得做事情一定要有用。
中国当代艺术市场到2000年才一点点发展起来。有一种舆论觉得商业化对艺术会有很不好的影响。商业化之后的艺术到底受到多少伤害，这可以探讨，但不要演变成一种简单的讨伐。简单地用道德主义来衡量既不客观，也不科学。因为艺术家的独立、艺术本身的独立，从一开始就得益于自由市场的兴起。在西方自由市场经济兴起之前，艺术要么从属于教会，要么从属于贵族，如此少数的能够掌握艺术家生杀大权的人在操控着艺术，可见艺术独立性的成分是很少的。恰恰是自由经济使得艺术家从依附于教会和贵族的情况下摆脱。因为自由经济带来了艺术品的买卖系统，过去非市场交易式的贵族和教会掌控的局面完全下放到民间，商业资本有效地分化了权力资本。而在艺术文化方面，当买卖交易形成了自由市场时，艺术标准开始宽泛了，艺术家的自由度也增加了。那些反对自由市场以来的艺术市场的批评观点，严格来说是没有意义的，主要原因是没有从艺术史、从艺术家是如何独立成为一个阶层的角度来讨论这个问题。

中国的当代艺术市场远未成形

CBR：从这个角度看中国艺术市场的发展程度如何？自由艺术市场的形成是否可以解决艺术发展的所有问题？
王南溟：中国当代艺术市场的发展才刚刚开始。上海M50创意园那么多画廊，最近还有人说半年一张画都没有卖掉；一些相对比较好的画廊，今年也卖得不好。要衡量一个画廊能不能成长，要看画廊首先是不是独立搞经营，有没有盈利。以这个标准来衡量，目前中国绝大多数的画廊都背靠企业出资，只是企业的附属，像会所一样，是一个供大家玩的消费平台。中国的艺术市场没有真正形成，画廊业的兴起要取决于客户。只有当中国的大学教授、律师、医生，即中产阶级群体都有了艺术消费需求、都想在家里挂作品并愿意到画廊去买画的时候，艺术市场才会慢慢形成。
上个世纪90年代以后，中国艺术市场的发展不是来自民间市场，而是依靠西方资本的进入，这是非常特殊的一段时期。就像中国在经济领域成为“加工国”一样，艺术市场也演变成一个“加工品市场”。西方人喜欢中国艺术家做什么创作，中国艺术家都去画这样的东西，像订单一样，去迎合西方趣味。北京798，上海的M50都是一样。做严肃创作的人想避开这个东西，可能就不大容易了。
这二十年中国的艺术市场，主要依靠西方的资本介入和艺术政策，带动西方的基金会、美术馆做中国的艺术展览。原来的边缘文化，如今成为他们关心的内容。西方买家跟着美术馆走，在美术馆做过展览的作品，销售价格就会上去，然后影响到民间的机构和收藏家，把中国当代艺术这几种题材的市场带动起来了。
如果说这样的氛围，让中国的艺术家不能坚持自己的创作，我们首先需要做的不是用道德来谴责，而是要讨论制度哪里出了问题，使得艺术家现在没法创作，好的艺术作品没法展览，没法在媒体上被广泛传播。为什么资本使用不当，投入了很烂的作品，而真正好的东西资本却不投入？

需要相互制衡的体系

CBR：与西方国家不同，中国一直没有形成资本赞助艺术发展的非营利组织的运作模式，这也一定程度上影响了中国艺术的独立性。能否结合这一点谈谈中国当代艺术生产机制的根本问题？
王南溟：资本的核心价值就是竞争，竞争势必导致利益群体的分化。分化得越厉害，多元化和原创性程度也越高。投入文化的资本系统活跃程度必然刺激文化艺术的活跃度。让艺术民间成为最活跃的力量有两种比较好的方法：一是政府用公共财政来推动，比如说设立政府基金会，包括民间基金会，由于减免税是通过政府宏观政策调控的，也相当于政府主导的；另一个就是艺术市场成为推动艺术发展的原动力。有了艺术市场，艺术家就可以不去做其他与专业无关的工作。
非营利系统在西方发展了几百年，慢慢地，艺术领域已经建立了一种学术评价体系，基金会、美术馆和画廊也形成了相互监督、多元互动的艺术管理系统。每条路都有每条路的走法，彼此分得很开。非营利的学术领域，例如美术馆、艺术中心是不卖作品的，保持社会非营利性质。这种制度安排能够保障学术往前推进，不受经济利益的干扰。策展的评论家打交道的往往是美术馆系统、艺术中心系统，而不能去画廊。在西方，美术评论家甚至一般教师不能老往画廊跑，也不能帮画廊里办展览、写文章，因为会发生利益关系而使观点丧失独立性。对于评论家也有很多规定，专栏评论家不能有经营艺术品的经历。如果涉嫌因为拿了画家的一幅画或一笔钱而写了篇文章，这就是丑闻。画廊自己独立做经营，被美术馆发现不错后拿去展览，评论家这时才可以介入。画廊和美术馆没有利益共享，美术馆反过来是检验画廊做得好不好的机构。既然是“检验机构”，美术馆就不可能赚钱，只能收藏作品。
相比之下，中国还没有真正的非营利艺术机构系统。上海美术馆是由公共财政拨款的，但它出租场地，所以不是完全非营利的。中国也没有一个完全非营利的、靠基金会的艺术中心。以画廊为代表的艺术市场系统还远未形成规模，宏观调控系统更没发展好，相对独立的评价系统自然建立不起来。如果美术馆出租场地，谁有钱谁就可以租，那么做实验的艺术家就成长不了。这样下去，艺术就会一味地被资本牵着鼻子走了。实际上，资本投资本身是不内含决策的，而是需要外界的专业决策来指导它。
西方艺术的发展往往是大企业基金会推动的。在中国有一个问题，政策不允许成立基金会，减免税政策优惠也没能跟上，所以大家只能做艺术品基金，基金对应的是自由市场，买卖。假如没有非营利领域的监督，艺术的经济资本就变成了没有监督、没有约束的领域，一味炒作艺术作品了。把艺术作品当股票来分，诸如此类的怪招全出来了，恨不得今天这幅画买回来，明天拍卖行马上拍掉，于是形成了今天艺术市场的泡沫。

谁是你的艺术顾问

CBR：艺术品投资引起越来越多企业家的关注。但由于长期以来艺术市场、基金会、评价机制的落后，很难形成与艺术发展相契合的品位和取向，更遑论形成支撑或引领先锋艺术的资本后盾，对此有无更好的解决方案？企业家的艺术投资素养提升路径在哪里？
王南溟：单靠企业家是不行的，还是要靠社会管理、艺术管理整个系统的发展。企业家要积极投资艺术品市场，假如美术馆是独立的，那么展览和收藏就是市场的风向标。美术馆的收藏和展览系统，以及不涉及商业交往的评论家文章，是对艺术作品评估相对稳定的标准。当然艺术不能表征太单一，太绝对，诸如此类的言论也可以纳入到批评领域，但这首先是基础状态。如果你买的作品在美术馆里面从来没有做过展览，也没有这个艺术家的藏品，评论家从来不去评论，一般就意味着你的收藏是失败的。市场经营艺术品要与学术评价系统建立关系，要放到一个独立评判平台上。
有了这样一个系统之后，企业家收藏当代艺术品可以走两条路：一条路是相信自己的眼光，不断增加背景知识和判断力。你可能会成为一个有眼光和艺术作品鉴赏能力的高手，在作品还没出名的时候就悉数买进。但这种情况一般不大可能发生，除非你是学艺术出身的，否则很难跨领域。西方还有另一种投资方式就是请顾问。顾问有两种类型，一种是私人请一个懂的人帮你运作。在相对成熟的艺术管理体制下，一个人做了顾问以后，就不能在外面独立策划展览了，因为已经有了利益关系而不再独立了。另外一种顾问模式就是画廊。如果一家画廊做了5个画家，有2个出名了，至少证明这个画廊老板是有眼光的。一旦成了品牌画廊以后，他就会很谨慎地做画家。你到这家画廊去买画，就意味着你要买到的作品水准有所保障，所以画廊也兼有顾问性质。画廊分一、二、三等，大画廊包装的画家肯定是能进入美术馆的；中等画廊包装的画家一般也不会太差，可以进入艺术中心和比较重要的机构展览，也会有评论家对他的作品进行评论；而什么都做的画廊肯定会倒闭。一个成熟的画廊能够像百年老店一样，定位很清楚：或者做美术馆的、或者做中产阶级的客户，这样的画廊是你不必花钱的顾问。

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